IED Мадрид IED Madrid Европейский институт дизайна

Rural Surf te ofrece un lugar para surfear en Valencia, la tercera ciudad más grande de España. El clima es uno de los mejores de Europa, con numerosas playas de arena fina, incluida la conocida playa de Malvarrosa. Diez kilómetros al sur de la ciudad se encuentra la Albufera de Valencia, un hermoso lugar natural lleno de importancia cultural, histórica y ecológica.

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Описание IED Madr>

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El mar y su representación pictórica han sido uno de los géneros artísticos más desarrollados desde hace muchos siglos. Desde los clásicos y serenos paisajes marinos de Fitz Hugh Lane hasta las visiones contemporáneas de Richard Diebenkorn, la audaz pintura japonesa o, por supuesto, el incomparable Joseph Turner, el ArtWolf ha mostrado con orgullo 10 de los paisajes marinos más bellos, intrépidos e importantes del mundo.

Esta lista, por supuesto, es absolutamente subjetiva, pero algunos de sus nombres son incuestionables.

10- FITZ HUGH LANE
"Becalmed off Halfway Rock", 1869 (Washington, Galería Nacional)
Óleo sobre lienzo, 70,4- 120,5 cm.

Considerado uno de los mejores pintores marinos de todos los tiempos, Lane es posiblemente más un "retratista naval" que un pintor marino tradicional. En este lienzo muy atractivo, el artista brillantemente retratos Dos grandes barcos, acompañados por tres barcos de apoyo, rodean una pequeña roca que, aunque de tamaño pequeño, gana una importancia fundamental en la composición.

9. IVAN AIVAZOVSKY
"La novena ola", 1850 (San Petersburgo, Museo Estatal)
Óleo sobre lienzo, 221- 332 cm.

Un pintor dedicado al paisaje marino, Aivazovsky alcanza en esta pintura una perfección técnica absoluta, representando a un grupo de náufragos desafortunados que intentan sobrevivir a las despiadadas olas oceánicas. Sin embargo, el centro de la composición es la representación poderosa, casi mística, y difusa del sol, que ilumina la escena con una extraña gama onírica de tonos verdes y rosados.

8. CASPAR DAVID FRIEDRICH
"El monje junto al mar", 1809/10 (Berlin Nationalgalerie)
Óleo sobre lienzo, 110-172 cm.

Contrariamente a la gloriosa calma del trabajo de Lane o la exuberancia dramática de la obra maestra de Aivazovsky, aquí nos enfrentamos a mucho más. difícil trabajo. La notoria horizontalidad de la imagen y el evidente contraste en la escala del monje, casi insignificante en comparación con la magnificencia del mar, llenan la imagen con un mensaje romántico bastante incierto. ¿Es el mar un fondo neutral detrás de las deliberaciones del monje, o tal vez estamos viendo un extraño diálogo entre el hombre y el océano interminable, un espejo místico de los pensamientos del monje?

7. IGLESIA DE FREDERIC EDWIN
"Los icebergs", 1861 (Museo de Arte de Dallas)
Óleo sobre lienzo, 163,2- 285,1 cm.

La muerte helada. Hermosa y exuberante a primera vista, esta obra maestra de Frederic Edwin Church es, sin embargo, un documento romántico siniestro y terrible, que muestra los restos de un naufragio, donde realmente no importa si los marineros han sobrevivido o no: los icebergs despiadados pronto los matarán. si la violencia del accidente no lo ha hecho antes. La brutal belleza de este lienzo hace que el Titánico La historia parece una broma de mal gusto.

6. RICHARD DIEBENKORN
"Ocean Horizon", 1959 (colección privada)
Óleo sobre lienzo, 177.8- 162.6 cm.

Diebenkorn's paisajes marinos urbanos presentar una visión única y contemporánea del océano: domesticada, amigable, deseable. Al contrario de lo abstracto y más complejo Parques oceánicos, el Ocean Horizon presenta una composición muy simple con tres niveles evidentes para la tierra, el mar y el cielo, todos enmarcados en una ventana rectangular. Siguiendo la línea torcida marcada por las líneas eléctricas, el océano parece tan accesible como la pequeña taza de café que podemos ver en el primer plano.

5. CLAUDE MONET
"La terraza de Sainte Adresse", 1867 (Nueva York, Museo Metropolitano)
Óleo sobre lienzo, 98,1- 129,9 cm.

Esta gloriosa pintura presenta un paralelismo evidente con el lienzo de Diebenkorn que representa el mar (aquí el Océano Atlántico) como amigable, accesible, incluso como un área recreativa para la sociedad relajada. Una vez más, la composición se divide en tres niveles: cielo, mar y tierra, y está organizada verticalmente por las dos grandes banderas que ondean la brisa del océano. La pintura es tan deliciosa que inmediatamente nos sentimos tentados a sentarnos en una de las sillas vacías para disfrutar de este soleado domingo por la tarde. Aparte de esto tipo paisaje marino, Monet también describió el mar lleno de ferocidad y furia en pinturas como "La Manneporte ".

4. WINSLOW HOMER
"La corriente del Golfo", 1899 (Nueva York, Museo Metropolitano de Arte)
Óleo sobre lienzo, 71.5- 124.8 cm.

Toda la amabilidad y el encanto que presentó el mar en los dos lienzos precedentes está aplastado en esta pintura devastadora de Homero. Realmente, la terrible expresividad del trabajo, macabra, hace innecesario casi cualquier comentario, mientras ayudamos, indefensos, al trágico final del desafortunado marinero, representado con una exageración efectiva, tal vez una evidencia de la formación de Winslow Homer como prensa. reportero.

3. THEODORE GERICAULT
"La balsa de la Medusa", 1819 (París, Louvre)
Óleo sobre lienzo, 491-716 cm.

Esta es una de las pinturas más famosas jamás creadas. Gericault crea una pintura que podemos definir como "políticamente incorrecta", ya que representa las miserias de un gran grupo de náufragos abandonados después del naufragio de una fragata naval francesa. Incluso podemos decir que la imagen no es exactamente un paisaje marino, sino una composición triangular clásica en la que las emociones humanas se gradúan de la esperanza exacerbada de aquellos que, ubicados en la cima de la pirámide, han visto un barco salvador para el hombre. quien, sosteniendo el cadáver de un joven, tal vez su hijo, ha abandonado cualquier esperanza y se resigna a esperar la muerte. En el trabajo de Gericault, el mar no tiene encanto, belleza ni bondad: es el villano, el asesino, el depredador que, al acecho de nuevas víctimas, espera pacientemente su hora de matar.

2. KATSUSHIKA HOKUSAI
"La ola"c. 1830
Estampado en madera, 25,4- 38 cm.

Los pintores y grabadores japoneses siempre nos han ofrecido una visión diferente, casi mística, de los fenómenos naturales. La ola es aquí mucho más que una mera circunstancia oceánica. Es un monstruo, un leviatán gigante que amenaza con sus colmillos a los barcos ágiles y audaces que cruzan, flexibles, los mares japoneses. La terrible garra del océano es tan poderosa que parece amenazar con devorar incluso el sagrado Monte Fuji, presentado en el fondo como otra víctima de la ola malvada.

1. JOSEPH MALLORD WILLIAM TURNER
"La lucha de Temeraire tiró de su última litera para ser dividida", 1839 (Londres, National Gallery)
Óleo sobre lienzo, 91-122 cm.

Turner es el mejor pintor marino de cualquier edad, y al menos otras dos o tres obras del pintor británico (Ulises burlándose de Polifemo, Paz - exequios en el mar. ) podría figurar fácilmente en esta lista si no hubiéramos tomado la decisión de incluir solo una obra por artista. Audaz y técnicamente perfecta, la obra maestra de Turner es una representación inusual de un barco real, normalmente representado en su máximo esplendor como lo hizo Fitz Hugh Lane en sus paisajes marinos (ver número 10), pero aquí Turner tributo a los valientes Temeraire representando su último viaje antes de ser desechado. Esta obra suprema fue elegida como la mejor pintura de Inglaterra en una encuesta organizada por la Galería Nacional de Londres en 2005.

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Progarchives.com, el mejor sitio web de música rock progresiva

Biografía de Asturias
Fundado en 1987 - Disuelto en 1993 - Reformado como "Asturias acústico" en 2003 y como "Asturias eléctrico" en 2009

El grupo japonés ASTURIAS comenzó como el proyecto en solitario del multi-instrumentista y compositor Yoh Ohyama. Comenzó a escribir material para un álbum en 1987, y en 1988 el álbum debut Circle in the Forest fue publicado en King Records, una de las principales discográficas de Japón. El esfuerzo de segundo año que Brilliant Streams siguió en 1990, y la tercera y, finalmente, última entrega de esta serie de álbumes en solitario fueron Cryptogam Illusion emitida en 1993.

En este momento, Ohyama había recibido muchos elogios por sus álbumes, así como por sus actuaciones en vivo, y se había establecido como una respuesta japonesa a Mike Oldfield o una versión de este. Sin embargo, a pesar de los méritos artísticos de su trabajo y los elogios que sus creaciones recibieron, las ventas no fueron satisfactorias para su sello discográfico, y el proyecto de Asturias se suspendió.

En los años siguientes, Ohyama se establece como un reconocido compositor independiente, arreglista, productor e ingeniero de grabación. Sin embargo, el proyecto de Asturias no se olvida, y en 2003 Ohyama decide resucitarlo, esta vez como cuarteto acústico. Junto con Yoshihiro Kawagoe (piano), Misa Kitatsuji (violín) y Kaori Tsutsui (clarinete, grabador) se hace un nuevo álbum, lanzado en 2004 como Bird's Eye View.

El álbum explora un estilo de música más sinfónico que los esfuerzos anteriores lanzados bajo el apodo de Asturias, y también recibe un mayor grado de atención. Un resultado directo del éxito es un nuevo álbum, Marching Grass on the Hill, publicado en 2006. En esta creación, Ohyama trae a un nuevo músico, Ito Kyoko (violín), en lugar de Kitatsuji.

Después de estas dos exitosas creaciones acústicas, Ohyama decide crear un álbum solista nuevamente, revisando las influencias Oldfield de los primeros tres álbumes. Con una gran cantidad de músicos invitados involucrados, este cuarto álbum en solitario y el sexto álbum publicado con el nombre de Asturias ve la luz en 2008, llamado In Search of the Soul Trees. Es emitido por Poseidon Records en Japón, mientras que el legendario sello francés Musea Records se ha encargado de que la producción esté disponible en la mayoría de las otras partes del mundo.

Al buscar más información sobre este artista, o al tratar de localizar los diversos álbumes, se debe tener en cuenta que los álbumes en solitario pueden aparecer como Electric Asturias, mientras que los álbumes de la banda se pueden ordenar en Acústica Asturias.

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ASTURIAS Comentarios

Revisado por BrufordFreak
ColaboradorColaborador honorario

Mi segunda pregunta de seguimiento es: ¿Cuántos evaluadores de una estrella aquí pueden componer y jugar a este nivel de competencia?

1. "Closed World" (7:13) comienza con algunos arpeggi de piano clásico agresivos antes de que la banda de rock completa se una con el violín repitiendo la misma secuencia inicial de arpeggi. El patrón melódico es lo suficientemente atractivo como para mantener al oyente inmovilizado mientras otros instrumentos se turnan para solos con variaciones sobre el tema principal o, con paradas y comienzos, para realizar otros movimientos. El tejido de los tres instrumentos principales se vuelve inteligente con hilos y acordes armonizados. La canción muy agradable, limpia, interesante y atractiva comienza a terminar con, por supuesto, habilidades de muy alto calibre en los departamentos de composición y musicalidad. (13.5 / 15)

2. "Cumbres borrascosas" (5:54) hinchable, lleno de vida, aunque un poco sencillo con melodías que se vuelven un poco cansado, sin importar cuántas formas diferentes las tocan. suena como una canción de GENESIS And Then There Were Three. sin la letra, por supuesto. (8.25 / 10)

3. "Skelter" (4:38) comienza con un acorde de piano invertido б la YES 1972 antes de que la banda se estrelle como un tren que sale de un túnel que viaja a toda velocidad. Grandes melodías de Tei Sena y juego de apoyo, especialmente del piano de Yoshihiro Kawagoe. Las habilidades de solista del guitarrista Satoshi Hirata son excelentes, aunque sus líneas no son tan melódicas o emocionales como las de Sena. (¿Es solo la naturaleza del instrumento? Creo que no.) (9.25 / 10)

4. "Crow" (8:08) que suena en parte clásica, en parte jazz y en parte country desde el principio, esta podría ser una canción del Goat Rodeo de Edgar Meyer o los álbumes menos eléctricos de Jean-Luc Ponty. El tejido que comenzó a las 1:29 es increíble, ¡pero el énfasis rítmico en la sección que comienza a las 1:46 es increíble! ¡Qué habilidad! ¡Qué belleza! ¡Todo esto y la verdadera carne de la canción no comienza a revelarse hasta las 3:18 y 3:49! Gran sonido de bajo. Gran tejido de banda entera. Y luego está la increíble tensión acumulada en la segunda mitad del sexto minuto antes de la provocación suave y el desenlace completo durante el séptimo minuto. Podría haber ido más alto, pero, aún así, estoy feliz con el final gentil y hermoso. ¡Probablemente la mejor canción del álbum! (14.25 / 15)

5. Las cuerdas "Rogus" (8:46) y el piano de tango-jazzy abren este antes de que la banda completa se una y la guitarra eléctrica establece la melodía principal con el violín tocando el segundo violín. Las dos variaciones comerciales sobre el tema melódico establecido primero por la guitarra durante los primeros minutos mientras el bajo, el piano y la batería flotan como ondas en apoyo. Una sección tranquila expone el piano para otro movimiento similar al tango como solos de bajo gruesos al ritmo de la batería. ¡Agradable! ¡Amo la obra de piano! Guitarra sucia entra al solo. Bastante habilidoso y alegre si aún no es tan emotivo como el violín o el piano. Hay muchas similitudes con este sonido de guitarra y con MIREK GIL y STEVE HACKETT. Se pone mejor y más bajo tu piel a medida que avanza la canción. ¡Gran canción! ¡Me encanta esa base de tango-piano! (18/20)

- Suite de "Gorgona": 6. I - Medusa (5:11) el órgano de la iglesia que cambia de acorde lento abre este antes de que las campanas se unan. ¡Siniestro e impresionante! Luego, aproximadamente un minuto en la banda completa salta con su propio tema musical clásico de Phantom of the Opera. Muy italiano en su configuración dramática. (Excepto por la apertura del órgano, esto podría ser LA COSCIENZA DI ZENO o INGRANAGGI DELLA VALLE aquí). (8.9 / 10)

7. II - Sthenno (7:30) abriendo con graves muy distorsionados, tocando platillos delicados, y luego violín antes de piano presenta el ritmo y la forma reales a las 0:50. La canción es muy gruesa, muy gruesa como WOBBLER y angular como ДNGLAGЕRD. El sucio solo de violín en el cuarto minuto es muy salvaje y frenético. La música similar a KOTEBEL que sigue marca el comienzo del bajo muy distorsionado mientras el violín parece bailar a su alrededor. Luego, a las 4:45 hay un vaciado ya que se permite que el bajo repita la sección de apertura. Gran canción progresiva sinfónica compleja y fuertemente interpretada. (13.25 / 15)

8. III - Euryale (8:51) comienza con un toque de violín deliciosamente apoyado, melodías increíblemente hermosas. La música cambia a un poco más de corte en el segundo minuto, incluso en la melodía de violín y guitarra. Es bueno, tan poderoso como la sección de apertura. Muy bonito tejido técnicamente exigente en el cuarto minuto. El violín presenta un espectáculo en el quinto minuto, mientras que la banda de abajo se vuelve más pesada y cambia a acordes menores por un momento. Supongo que el violín representa a Perseo y la guitarra eléctrica la gorgona. Toda una lucha! Ganado, por supuesto, por el violín, que conduce a una sección final en la que la melodía poderosa y quejumbrosa de la sección de apertura se repite y se refuerza. (18/20)

Tiempo total 56:11

Cinco estrellas, una obra maestra menor de la hermosa y técnicamente experta fusión de jazz / música de rock progresivo.

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Publicado sábado 22 de junio de 2019 | Revisa este álbum | Informe (Revisión # 2232689)

Revisado por Aussie-Byrd-Brother
Colaborador especialEquipo Rock Progressivo Italiano

El abridor 'Closed World' establece una gran plantilla para el disco, liberando el violín constantemente deslumbrante de Tei Sena, los teclados zumbadores de Yoshihiro Kawagoe y las carreras de guitarra al rojo vivo de Satoshi Hirata, todo ello a gran velocidad con una urgencia deslumbrante. Tomando su título de la influyente novela de Emily Brontл, 'Cumbres borrascosas' se nutre de esa gran diversidad de fantasía e instrumental al estilo de Mike Oldfield que ha sido una influencia constante de Asturias. 'Skelter' fue originalmente escrito para una escena de pelea en un videojuego, y apropiadamente la pieza contiene muchos pasajes solistas de guitarra, violín y teclado en duelo a lo largo de su impulso victorioso.

'Crow', inspirado en una pintura de Vincent van Gogh de época tardía, ralentiza las cosas para una sombría reflexión sobre 'una vida talentosa pero sin recompensa', y la observación de que el propio Van Gogh sintió que era 'como un pájaro en una jaula' sus propios demonios personales contribuyen a las reflexiones melancólicas pero desafiantes del piano, el bajo y el violín, tan prominentes en toda la pieza. `Rogus 'también proviene de un videojuego de finales de los años ochenta, y es un entrenamiento de rock progresivo de sintetizadores helados, el bajo grueso de Yoh y los tambores retumbantes de Kiyotaka Tanabe que suenan detrás de temas de guitarra eléctrica y piano.

Ningún álbum relacionado con el programa debería estar exento de una épica de varias partes, y la suite de tres partes 'Gorgon' que cierra el disco es una ambiciosa interpretación de veintiún minutos de tres criaturas míticas con serpientes para el cabello de la literatura griega antigua. ! El pasaje de apertura de cámara 'Medusa' ofrece una atmósfera gloriosamente gótica construida alrededor de imponentes órganos eclesiásticos y sintetizadores espectrales que finalmente se desgarran con fuertes cuerdas de violín y tambores. A los fanáticos de los creadores de Zeuhl, Magma les encantará una de las piezas asturianas más violentas y frenéticas hasta la fecha, el gruñido de Stheno, el grumoso Jannick, la opresividad de bajo, la percusión esquiva y la diabólica manía de piano, el sonido más adecuado e independiente. feroz de las tres gorgonas! La historia de la tercera hermana 'Euryale', conocida por sus gritos, está cuidadosamente puesta en música altamente emocional con sus cepas de violín dolorosas pero dolorosamente hermosas y reflexivas reflexiones de guitarra que se elevan a alturas liberadoras para una despedida refinada y estimulante.

`El enfoque culto de Trinity para adaptar a menudo la literatura y el arte clásico significa que siempre sigue siendo evocador y sofisticado, y el álbum sigue siendo infinitamente melódico en todo momento sin sacrificar el tecnicismo y la ambición. Trinity 'es una música instrumental dramática e inteligente en su máxima expresión, y no solo es el tercer trabajo impresionante de Electric Asturias hasta la fecha, sino que ya es uno de los principales lanzamientos de música progresiva de 2019.

Nota: Electric Asturias se está presentando actualmente en la gira Cruise to the Edge 2019, y se recomendaría a los asistentes que omitan buscar algunos de los 'nombres más grandes' si esto significa la oportunidad de presenciar esta banda de primer nivel en acción: un ¡grupo que literalmente volará la mayoría de las otras bandas fuera del agua! ,)

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Publicado lunes 4 de febrero de 2019 | Revisa este álbum | Informe (Revisión # 2134187)

Revisado por tszirmay
Colaborador especialColaborador honorario

Aunque evidentemente es un atuendo de jazz-rock, hay numerosas influencias en juego aquí, a pesar del liderazgo del lujoso violín de Tei Sana, hay muchos momentos de estilo King Crimson que siguen apareciendo aquí y allá, armados con ardientes piruetas de guitarra de Satoshi Hirata , hábiles adiciones al piano interpretadas por Yoshihiro Kanagoe y ritmos polirrítmicos del maestro batería Kiyotaka Tanabe. Tienen las chuletas, créeme! Para que la música técnica como esta sea exitosa, la composición debe ser de primer nivel, alejándose deliberadamente de las tendencias de noodling y enfocándose estrictamente en la creación de estados de ánimo. Mantener secciones vibrantes y frescas, con disparos de francotiradores instrumentales ocasionales e inesperados de los solistas, es lo que hace o rompe un álbum como este.

Todas las pistas del abridor abrasador "Deadlock Triangle", así como 3 pistas de seguimiento que se preparan para la Suite Elemental de 4 partes que abarca, son composiciones impactantes que se tocan con perfección y velocidad mortal, que dejarán al oyente cautivado, desconcertada y completamente gastada. Eso no significa que sea todo un bombardeo 'strum und drang', ya que el violín en particular toma algunas salidas románticas del torbellino y se revuelca en un profundo romanticismo, como se expresa en la segunda pista, el voluptuoso "Time Traveler" de 9 minutos, que se desvía hacia un delicado trabajo de piano antes de transformarse en el clásico matemático rock 'bicicleta' de King Crimson, haciendo clic con intrincadas frases de guitarra que desafían la lógica o la gravedad. La embestida jazzística es pura fusión dura, quizás más cercana a la de los compañeros japoneses Kenso, pero adornada con algunos grupos más suaves de reflexión y ritmo.

Creando falsamente la impresión de que podría tratarse de un entrenamiento electrónico de Tangerine Dream, "Tangram Paradox" es una convulsión tortuosa y polirrítmica que se lanza a la velocidad Mach 3, tanto en zonas convencionales como experimentales que desafían la norma. Nuevamente, esto no es Neo, lo siento, fanáticos de Matrix. El delirio puro propugnado por todos los solistas es un caos, pero de un tipo controlado. ¡El bajo y el trabajo de batería impresionan hasta el enésimo grado y los 3 solistas son solo armas de fuego! "Honeycomb Structure" es un laberinto musical de proporciones laberínticas, violín fluido a la cabeza, chirriando mientras la guitarra chamusca, divagando órgano bajo, mientras que el dúo de bajo y batería golpea y golpea. Otro solo de piano lleva esto directamente al territorio de Chick y Herbie, muy jazz y furia muy controlada. Pero el factor decisivo es la vibrante guitarra infestada de blues que sale de Satoshi Hirata, una maravilla pura para la vista.

Las cosas se vuelven decididamente más orquestales y sinfónicas con la suite de casi 29 minutos, mientras el violín continúa guiando el paquete, un ejemplo perfecto de cómo 5 músicos de rock con antecedentes clásicos y de jazz pueden componer música que es vivazmente contemporánea, pero aún conservan todo el cualidades de la leyenda clásica atemporal. Desafiantemente sin esfuerzo y conciso, muy cargado de melodía y técnica, el quinteto arde como un fuego radiactivo, una chisporroteante fusión de estilos y sonidos que marcan a su musa con un gusto incomparable. Duro, suave, majestuoso y subatómico, rápido y medido, esto es simplemente fenomenal, cualquiera sea su gusto musical. Es curioso cómo un acorde de piano repetitivo puede proporcionar la plataforma para un suntuoso vals de violín que es fácil de dominar en términos de accesibilidad, pero aún complejo y técnicamente competente. La segunda parte (la bien llamada "Salamandra") vuela directamente hacia las nubes más oscuras de la pesada bomba sinfónica, con trinos ejecuciones de sintetizadores, ardientes incursiones de violín, corridas de órganos melancólicos y gimnasia rítmica monstruosa. Una montaña rusa de notas ondulantes y arreglos densos hacen de este un viaje sin aliento. Sumérgete en el flujo volcánico y sal por el otro lado, ileso pero regocijado. La tercera sección es "Sylphide" y muestra el romanticismo más suave de la melodía y el apasionado discurso musical, un arsenal de teclas que mantiene la alfombra rodando para algunas hermosas violines de Tei Sena, envuelto en ondas melotrón y belleza etérea. Ocasionalmente juguetones, a menudo serenos, los solistas mantienen la tensa fusión de sonidos dentro de un surco muy lineal que se niega a retroceder y arrodillarse ante el santuario. El bajo se hace cargo y lidera con un valor poco común y spunk. Simplemente hermoso.

El final "Gnome" elige un tema más lúdico, alterando la melodía solo un poco, proporcionando así tranquilidad y aventura en un plano diferente. Choppy, intenso y explosivo, los maestros vacían sus jugos creativos con abandono, dando la impresión de que esta música compleja es solo una segunda naturaleza para ellos, un verdadero signo de genio, en mi opinión. Esta banda tocó en la versión 2014 y 2017 de Cruise to the Edge y sorprendió al público, lo mismo en Rosfest 2013. Quizás el artista más subestimado en el mundo progresivo, Asturias merece un gran reconocimiento y un gran aplauso. Obteniendo "Fractales" a continuación!

comentarios de revisión social El | Revisión Enlace permanente
Publicado jueves 20 de julio de 2017 | Revisa este álbum | Informe (Revisión # 1744999)

La música de Asturias se divide aproximadamente en cuatro áreas: Clásica - Rock - Sintetizada - Otra acústica

Este álbum es algo así como 50% clásico, 20% rock, 20% sintetizador, 10% acústico. Para un típico fanático del rock progresivo, puede parecer aburrido y pesado en el violín, el piano y los instrumentos de viento de madera. Pero si tienes un fondo clásico, te encantará.

Sin embargo, no me malinterpreten, hay un poco de guitarra bitchin. Mi canción favorita es "Sign", que culmina en un solo eléctrico armónicamente rico (aunque solo algo técnico) en 7/4. ¡No te rindas hasta que llegues tan lejos! Es solo la tercera pista, pero las introducciones anteriores son lentas. "Journey" es el punto más feliz del álbum, con grabadora de chips y guitarra eléctrica majestuosa en clave principal.

"Lost" (otra canción maravillosa) completa la primera mitad y establece un tono melancólico para el resto del álbum. La transición a la segunda mitad es francamente deprimente. Escucha "Alone" y entenderás el título del álbum.

"Rebirth" recuerda algo de la intensidad de Sign, pero "Wandering" y "Missing Piece" continúan siendo contemplativos. "Resolución" es un poco inapropiado. La pista final en sí misma es decepcionante, y su tono es triste de igualar. Apropiadamente, no hay un final triunfante ni una sensación de cierre; se podría decir que nunca se encuentra la pieza que falta.

Hermosa música, pero no edificante.

comentarios de revisión social El | Revisión Enlace permanente
Publicado domingo 7 de mayo de 2017 | Revisa este álbum | Informe (Revisión # 1718601)

Revisado por apps79
Colaborador especialColaborador honorario

El sonido de la banda sigue siendo bastante orquestal y continúa recordando las obras melodiosas y soñadoras de MIKE OLDFIELD, JEAN-PASCAL BOFFO y STEVE HACKETT, que contienen connotaciones sinfónicas y paisajes sonoros etéreos. Pero esta vez la introducción de cuerdas conduce a algunas comparaciones con compatriotas OUTER LIMITS, although Asturias had a less virtuosic and dramatic approach, often flavored by some New Age-like arrangements.Moreover a few tracks are almost entirely based on strings, bassoon and piano, having a certain Chamber Music feel akin to AFTER CRYING.Other pieces, basically those containing a fair amount of electric guitars and synthesizer, come closer to instrumental Symphonic Rock with delicate breaks and interplays, their quality is often lowered by the choice Ohyama to use some programmed sounds and the somewhat average sound of keyboards, but the arrangements are fully elegant with lovely variations between electric-, keyboard- and string-based textures.The couple of synthet ic moves, like on ''Glacier'' and ''Mistral island'', are not my cup of tea, very computer-based orchestrations with some MIKE OLDFIELD references, but the fake echoes of flute and the likes are certainly a turndown.Fortunately even the shortest guitar solo of Yoh Ohyama has something good to propose plus the trully interesting themes in here are much more than the questionable ones.

A pretty accurate work on the mellow, dreamy Prog Rock lines with a certain Mike Oldfield atmosphere.Not as good as the previous one, because programmed sounds are a bit too much on use, still very pleasant and entertaining.Recommended.

social review comments El | Review Permalink
Posted Friday, March 13, 2015 | Review this album | Report (Review #1381939)

Review by Windhawk
Special CollaboratorHonorary Collaborator

When you read up a bit about Asturias, a phrase that has been connected to this project is that this is the Japanese answer to Mike Oldfield. Presumably a description given a few years ago rather than to this specific album, as "Fractals" is a creation that doesn't have too many similarities with Oldfield, at leas as I know him. There is one common denominator however, the style explored resides fairly safely within the boundaries of the instrumental part of the progressive rock universe.

Positive, uplifting and fairly elegant compositions blending elements from symphonic art rock and jazzrock is the type of music explored in the majority of the material at hand, with Ohyama's bass guitar a a rock solid presence beneath delicate but spirited violin motifs, soaring and elegant keyboard textures and longing guitar solo escapades. The violin in something of a star role, especially in the first half or so of this production, with ample room for two or more solo instruments hitting off on a more intricate, harmonized run and even a few call and answer routines. Organ and violin combinations and violin and guitar combinations two of the more striking combinations given ample room and opportunity to hit it off. When the guitar isn't on a soloing run dampened riffs and occasionally funk-oriented light toned guitar licks are utilized as a supplemental detail, and there's also room here for calmer, intermediate phases and some instances of individual instrument solo inserts. All of it combined into a tight, compact package, and executed in a manner that indicates that the level of musicianship here is on a very high level indeed.

Apart from many songs that mix details from the stylistic expressions mentioned in a manner that makes it hard to point to similarities towards other bands, Moondawn is the odd one out that does include some fairly obvious details that at least for me carry similarities with bands such as Camel and Eloy. With a more purebred jazz-oriented sequence included though. Otherwise the main exceptions in terms of style and expression appears towards the end of the album, as the three part feature Suite of fate opens with a distinctly classical music inspires fugue, followed by a more purebred jazzrock composition and then concluding with a piece that again blends elements of jazzrock and symphonic art rock.

All in all "Fractals" comes across as a rock solid production through and through. Strong and distinct moods and atmospheres, excellently performed and produced. Those with a strong affection for instrumental progressive rock in general and who enjoy artists that blend symphonic art rock and jazzrock in particular should take the time to check out this production. I'm fairly certain that the greater majority of that specific audience will treasure this album greatly.

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Posted Friday, January 3, 2014 | Review this album | Report (Review #1105815)

Review by apps79
Special CollaboratorHonorary Collaborator

Structurally this one follows the same path as ''Circle in the forest'', three mid-length instrumental tracks are the the first menu, giving space to the 22-min. title-track.An even more mature album compared to the previous one, ''Brilliant streams'' actually recalls the music of MINIMUM VITAL around the same period, an electrified Progressive Rock with balanced use of guitars and keyboards/piano, characterized by the superb breaks into more dreamy soundscapes, filled with melodious textures and deep atmospheres.Basic inspirations come from Progressive Rock, Electronic/Orchestral Music and a touch of New Age and Ethnic Music, thus Mr. Ohyama has been fairly compared to MIKE OLDFIELD.The compositions are never boring, containing plenty of changing climates with some lovely keyboard interludes and piano lines, while Ohyama's and Tsuda's work on electric guitars is excellent, offering a pallette of diverse colors.Lots of dramatic segments with grandiose musicianship as well as a fair dose of elegant, symphonic themes with piano, flutes, choirs and bassoon are the absolute highlights of the long epic of the album, which stands as one of the best Prog arrangements of a hard time.

Very good, dreamy instrumental Progressive Rock.Melodic, intricate and full of different shapes.Strongly recommended. 3.5 stars.

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Posted Friday, December 13, 2013 | Review this album | Report (Review #1089484)

Review by DamoXt7942
Forum & Site Admin GroupAvant/Cross/Neo/Post Teams

Yes, in this album, we cannot avoid the main instrumental dish Tei's violin, that might have got cheered up and brought out by Yoh's composition and arrangement I guess. As if the violin sounds would tear our brain out with the musical gene coreS entangled together, they launch gemmy enthusiasm, the ingredient of the first shot "Double Helix", followed by "Voice From Darkness", characterized by more powerful and darker bass, guitar, drum footsteps. Of course all instrumental parts, especially the rhythm section, play so solidly and dramatically that such a perfect opening can be born. Can be said as the most suitable for the first explosions in this album.

The middle three stuffs are pretty good too. "Castle In The Mist" has three sections- the first and the last are impressive in eccentric melodies created by Tei's heavy, rigid weapon, and as for the middle one, we can get immersed in Yoshihiro's beautiful piano play and psychedelic endeavour, just like the title says. "Moondawn" sounds like a dim light over the sound horizon solidified with hard massive rock symphony.In "Silent Tears - Cyber Transmission" mellow guitar-, dreamy violin-based rock fantasy seasoned with a bit acoustic flavour . easily digested by the audience methinks.

On the other hand, the last meaningful "fateful" suite "Fate" has another melodic and solemn theatricalism, veiled firstly into synthesizer-based pipe organ silk and electric guitar divine beauty in the first part "Fugue", leaning toward their origin ACOUSTIC ASTURIAS. The second "Argus Last Stand" is a heavy killer along with heavy rhythms, heavy guitar machineguns, heavy keyboard beams, and heavy violin complex-fracture-organization. Reminds us something dramatic like Neo pioneers. The latest "The Lancer" is the true worth of ELECTRIC ASTURIAS featuring their original "rock" motivation and procedure . keeping melodious-ism, dramatism, theatricalism, and enthusiasm in their inner minds.

Superb album really, let me recommend as one of the musts in Japanese Neo-Prog scene.

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Posted Sunday, July 14, 2013 | Review this album | Report (Review #998544)

Review by Warthur
Prog Reviewer

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Posted Sunday, November 18, 2012 | Review this album | Report (Review #861699)

Review by Aussie-Byrd-Brother
Special CollaboratorRock Progressivo Italiano Team

Opener `Double Helix' is a frantic crash of uptempo neo-prog styled keyboards, commanding violin and winding guitar. Amongst the classical sound there's a snappy aggression to the performance, especially the driving drum-work. The band sounds so confident charging in with this one! The suitably titled `Voice From Darkness' has a more somber dramatic mood, heavier and displaying even occasionally brief sinister moments. Very stirring and darkly sophisticated, nice hypnotic synths and bass throughout too. `Castle In The Mist' is the first epic, with a lovely reflective violin theme at the start and end of the piece, a heartfelt piano/bass middle section, and a powerful main guitar theme reprised throughout with a fiery solo to end on too. The punchy `Moondawn has very neo-prog electric guitar melodies and matching synth runs, with a nice playful jazzy improv section in the middle. A shorter track, it serves as a nice break between the longer pieces. The second epic `Silent Tears' opens with an endless emotional guitar melody and solo, playing in a lonely Santana style with lots of sustained notes that makes it quite heart-wrenching. A weeping violin soon comes in with the rest of the band playing the same melody, but even just the single instrument change dramatically alters the mood. The band then heads in a jazzy fusion direction with piano and full band, the violin and guitar play the exact same melody but take turns to briefly solo - a wonderful and tasteful duel!

Now we come to the three part epic `Suite Of Fate" - We prog fans do love a good multi-part suite! `i. Fugue' is a darkly classical short instrumental performed on church organ and electric guitar. Little bits of Genesis and ELP in this, as well as fellow Japanese band Ars Nova but with less bombastic aggression! The highlights of the upbeat `ii. Argus Last Stand' are jazzy piano, a couple of cool synth solos and a busy drum showdown flying around the dancing violin. After a misleading delicate piano intro, `iii. The Lancer' is a great snappy and energetic number where all members get rapid-fire solos and standout moments.

The album seems to be only available as an expensive imported Japanese CD, but is worth every cent. Not sure if it's hard to come by already, but I urge listeners who are impressed with online sample tracks to get themselves a copy. This album is credited to Electric Asturias to differentiate from the project's acoustic albums. While I love the visually simple but striking front cover artwork, I'm a little conflicted about the the CD's bright pink spine, but at least it's easy to find on the CD shelf!

Easy to listen to, but full of subtlety, hidden complexity and surprising depth, `Fractals' offers the perfect balance of restrained talented musicians knowing when to hold back and let the music breathe, while still impressing with their technical prowess and ear for good memorable hooks. This incredibly energetic, intense and inventive album is a complete joy to listen to, and exactly the reason why we listen to progressive rock in the first place. I'm glad to see several raters have also awarded the album the highest rating.

Along with the most recent `Kotobel - Concerto For Piano And Electric Ensemble', this one offers some of the finest instrumental progressive rock music of recent years, really raising the bar for other bands. Couldn't be more highly recommended, and I couldn't imagine my collection without it.

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Posted Tuesday, October 16, 2012 | Review this album | Report (Review #839474)